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Musique baroque

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Musique baroque décrit une époque et un ensemble de styles de musique classique européenne qui étaient largement utilisés entre 1600 et 1750 environ pour une discussion des problèmes inhérents à la définition des points de début et de fin). On dit que cette ère commence dans la musique après la Renaissance et est suivie par l'ère de la musique classique. Comme les auditeurs baroques ne voulaient plus de musique "à l'ancienne" de la Renaissance, les compositeurs et les musiciens ont réalisé l'importance de la musique comme principale source de divertissement et ont ainsi créé des œuvres d'art qui ont apporté une contribution significative à leur société. Ils réalisaient un objectif fondamental dans la vie qui était d'apprendre à servir leurs semblables.

Les compositeurs et philosophes baroques (un peu comme les anciens de Chine et de Grèce) tenaient à l'idée que la musique, les mathématiques et les sciences possédaient des relations cosmiques. La découverte par Pythagore de la série harmonique, avec ses propriétés mathématiques, fut peut-être la découverte la plus influente dans la définition des aspects théoriques de la musique occidentale. L'idée d'une harmonie céleste divinement ordonnée découle de la philosophie grecque et des écrits des premiers philosophes chrétiens, notamment Severnius Boethius. On pensait que ces principes cosmiques émanaient de Dieu et en tant que tels avaient de profondes connotations religieuses et spirituelles. Johann Sebastian Bach a affirmé: "Le but unique et final de la basse figurée ne devrait être rien d'autre que la gloire de Dieu et la recréation de l'esprit. Là où cet objet n'est pas gardé en vue, il ne peut y avoir de vraie musique mais seulement un raclage et des hurlements infernaux . "

Les compositeurs baroques se sont également intéressés de plus en plus aux émotions humaines (passions et affections) et ont créé de la musique pour «imiter» ces émotions par l'organisation tonale. Regardant les écrits de Descartes et Sauveur qui, dans leur enquête sur la composition psychologique de l'homme, ont commencé à "objectiver" certaines émotions, les compositeurs baroques ont initié la pratique de l'expression d'émotions spécifiques par des moyens musicaux.

Le sens originel de "baroque" est "perle irrégulière", une caractérisation étonnamment appropriée de l'architecture et du design de cette période; plus tard, le nom est venu s'appliquer aussi à sa musique. La musique baroque constitue une partie importante du canon de la musique classique. Il est largement joué, étudié et écouté. Il est associé à des compositeurs et à leurs œuvres comme J.S. Les fugues de Bach, le choeur Hallelujah de George Friedrich Händel, les quatre saisons d'Antonio Vivaldi et les vêpres de Claudio Monteverdi de 1610 et le remarquable traité de Johann Joachim Quantz sur la technique de flûte de 1752.

Au cours de la période, la théorie musicale, la tonalité diatonique et le contrepoint imitatif se sont développés. Des ornementations musicales plus élaborées, ainsi que des changements dans la notation musicale et des progrès dans la manière de jouer des instruments sont également apparus. La musique baroque verrait une expansion de la taille, de la gamme et de la complexité de la performance, ainsi que la création de l'opéra comme type de performance musicale. De nombreux termes et concepts musicaux de cette époque sont encore utilisés aujourd'hui. Il présente des caractéristiques générales, l'unité d'émotion, l'ornementation et un rythme contrasté avec l'improvisation. Ses mélodies avaient généralement un mouvement de ligne continu, une dynamique de terrasse et des extensions (soit en ajoutant à la musique, soit en soustrayant.)

Présentation

Style et tendances

La musique conventionnellement décrite comme baroque englobe un large éventail de styles provenant d'une vaste région géographique, principalement en Europe, composés pendant une période d'environ 150 ans. Le terme «baroque», tel qu'il est appliqué à cette période dans la musique, est un développement relativement récent, utilisé pour la première fois par Curt Sachs en 1919, et n'acquérant de la monnaie en anglais que dans les années 40. En effet, jusqu'en 1960, il y avait encore beaucoup de discussions dans les milieux universitaires sur la pertinence de regrouper une musique aussi diversifiée que celle de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti et J.S. Bach avec un seul terme; Pourtant, le terme est devenu largement utilisé et accepté pour ce large éventail de musique. Il peut être utile de le distinguer des périodes précédentes (Renaissance) et suivantes (classiques) de l'histoire musicale. Un petit nombre de musicologues soutiennent qu'il devrait être divisé en périodes baroques et maniéristes pour se conformer aux divisions qui sont parfois appliquées dans les arts visuels.

Style baroque contre style Renaissance

Image: Baschenis - Instruments de musique.jpg | thumb | 260px | Instruments baroques comprenant vielle à roue, clavecin, viole basse, luth, violon baroque et guitare baroque. La musique baroque partage avec la musique de la Renaissance un usage intensif de la polyphonie et du contrepoint. Cependant, son utilisation de ces techniques diffère de la musique de la Renaissance. À la Renaissance, l'harmonie est davantage le résultat de consonances accessoires à la fluidité de la polyphonie, tandis qu'au début du baroque, l'ordre de ces consonances devient important, car elles commencent à être ressenties comme des accords dans un schéma tonal hiérarchique et fonctionnel. Vers 1600, cette définition s'estompe considérablement: par exemple, on peut voir des progressions essentiellement tonales autour des points cadentiels chez les madrigaux, tandis qu'au début de la monodie, le sentiment de tonalité est encore assez ténu. Une autre distinction entre la Renaissance et la pratique baroque en harmonie est la fréquence du mouvement de la racine de l'accord par tiers dans la période antérieure, tandis que le mouvement des quarts ou des cinquièmes prédomine plus tard (ce qui définit partiellement la tonalité fonctionnelle). De plus, la musique baroque utilise des lignes plus longues et des rythmes plus forts: la ligne initiale est prolongée, seule ou accompagnée uniquement par le continuo basso, jusqu'à ce que le thème réapparaisse dans une autre voix. Dans cette approche plus tardive du contrepoint, l'harmonie était plus souvent définie soit par le basse continue, soit tacitement par les notes du thème lui-même.

Ces différences stylistiques marquent la transition du ricercars, fantasmes, et canzonas de la Renaissance à la fugue, forme baroque déterminante. Monteverdi a appelé ce style plus récent et plus lâche le seconda pratica, le contrastant avec le prima pratica qui a caractérisé les motets et autres pièces chorales sacrées de grands maîtres de la Renaissance comme Giovanni Pierluigi da Palestrina. Monteverdi lui-même a utilisé les deux styles; il a écrit sa messe In illo tempore dans l'ancien style palestrinien et ses 1610 vêpres dans le nouveau style.

Il existe d'autres différences plus générales entre le style baroque et le style Renaissance. La musique baroque aspire souvent à un niveau d'intensité émotionnelle plus élevé que la musique de la Renaissance, et une pièce baroque représente souvent uniformément une seule émotion particulière (exultation, chagrin, piété, etc.; voir la doctrine des affections). La musique baroque a été plus souvent écrite pour des chanteurs et des instrumentistes virtuoses, et est plus difficile à interpréter que la musique de la Renaissance, bien que l'écriture instrumentale idiomatique ait été l'une des innovations les plus importantes de l'époque. La musique baroque emploie beaucoup d'ornements, souvent improvisés par l'interprète. Les méthodes de performance expressive telles que les notes inégales étaient courantes et devaient être appliquées par les interprètes, souvent avec une latitude considérable. Les instruments ont joué un plus grand rôle dans la musique baroque, et la musique vocale a cappella a perdu de son importance.

Style baroque contre classique

Dans l'ère classique, qui a suivi le baroque, le rôle de contrepoint a été diminué (bien que redécouvert et réintroduit à plusieurs reprises; voir fugue), et remplacé par une texture homophonique. Le rôle de l'ornementation a diminué. Les œuvres tendent vers une structure interne plus articulée, notamment celles écrites sous forme de sonate. La modulation (changement de clés) est devenue un élément structurel et dramatique, de sorte qu'une œuvre pouvait être entendue comme une sorte de voyage dramatique à travers une séquence de touches musicales, vers l'extérieur et le dos du tonique. La musique baroque module également fréquemment, mais la modulation a moins d'importance structurelle. Les œuvres de style classique dépeignent souvent des émotions très variées au sein d'un même mouvement, tandis que les œuvres baroques tendent vers un sentiment unique et clairement dépeint. Enfin, les œuvres classiques atteignent généralement une sorte de point culminant dramatique puis le résolvent; Les œuvres baroques conservent une énergie dramatique assez constante jusqu'à la dernière note. De nombreuses formes du baroque serviraient de point de départ pour la création de la forme sonate, en créant un "plan d'étage" pour le placement des cadences importantes.

Autres caractéristiques

  • basse continue - une sorte d'accompagnement continu noté avec un nouveau système de notation musicale, une basse figurée, généralement pour un instrument de basse de maintien et un instrument à clavier
  • monodie - musique pour une voix mélodique avec accompagnement, caractéristique du début du XVIIe siècle, en particulier en Italie
  • homophonie - musique avec une seule voix mélodique et accompagnement rythmiquement similaire (ceci et la monodie contrastent avec la texture typique de la Renaissance, la polyphonie)
  • text over music - texte intelligible avec accompagnement instrumental ne maîtrisant pas la voix
  • solistes vocaux («bel canto»)
  • expression musicale dramatique
  • des formes musicales dramatiques comme l'opéra, drame per musica
  • formes instrumentales-vocales combinées, comme l'oratorio et la cantate
  • de nouvelles techniques instrumentales, comme trémolo et pizzicato
  • mélodie claire et linéaire
  • notes inégales, une technique d'application de rythmes en pointillés à des notes uniformément écrites
  • l'aria
  • le ritornello aria (courtes interruptions instrumentales répétées de passages vocaux)
  • le style concertato (contraste sonore entre l'orchestre et les instruments solos ou petits groupes d'instruments)
  • partition instrumentale précise (à la Renaissance, une instrumentation exacte pour le jeu d'ensemble était rarement indiquée)
  • écriture instrumentale idiomatique: meilleure utilisation des propriétés uniques de chaque type d'instrument de musique
  • écriture instrumentale et vocale virtuose, avec appréciation de la virtuosité en tant que telle
  • ornementation
  • développement à la tonalité occidentale moderne (gammes majeure et mineure)
  • Cadenza - Une section virtuose étendue pour le soliste généralement vers la fin d'un mouvement de concerto.

Genres

Les compositeurs baroques ont écrit dans de nombreux genres musicaux différents. L'opéra, inventé à la fin de la Renaissance, est devenu une forme musicale importante pendant le baroque, avec les opéras d'Alessandro Scarlatti (1660-1725), de Haendel et d'autres. L'oratorio a atteint son apogée dans l'œuvre de Bach et Haendel; l'opéra et l'oratorio utilisaient souvent des formes musicales très similaires, comme une utilisation répandue de l'aria da capo.

Dans d'autres musiques religieuses, la messe et le motet ont légèrement reculé, mais la cantate a prospéré dans l'œuvre de Bach et d'autres compositeurs protestants. La musique d'orgue virtuose a également prospéré, avec des toccatas, des fugues et d'autres œuvres.

Des sonates et des suites de danse instrumentales ont été écrites pour des instruments individuels, pour des groupes de chambre et pour un (petit) orchestre. Le concerto a émergé, à la fois sous sa forme pour un seul soliste plus orchestre et comme le concerto grosso, dans lequel un petit groupe de solistes contraste avec l'ensemble complet. L'ouverture française, avec ses sections lentes et rapides contrastées, ajoutait de la grandeur aux nombreuses cours où elle était exécutée.

Les œuvres pour clavier étaient parfois écrites en grande partie pour le plaisir et l'instruction de l'interprète. Ceux-ci comprenaient une série d'œuvres de Bach mature qui sont largement considérées comme l'aboutissement intellectuel de l'ère baroque: le Clavier bien tempéré, les Variations Goldberg et L'Art de la Fugue.

Brève histoire de la musique baroque

Musique du début du baroque (1600-1654)

La ligne de démarcation conventionnelle pour le baroque de la Renaissance commence en Italie, avec le compositeur Claudio Monteverdi (1567-1643), avec sa création d'un style récitatif, et l'essor d'une forme de drame musical appelé opéra. Cela faisait partie d'un changement de style conscient de soi qui se produisait dans les arts, en particulier l'architecture et la peinture.

Musicalement, l'adoption de la basse figurée représente un changement plus important dans la pensée musicale - à savoir que l'harmonie, c'est-à-dire "prendre toutes les parties ensemble" était aussi importante que la partie linéaire de la polyphonie. De plus en plus, la polyphonie et l'harmonie seraient considérées comme les deux faces d'une même idée, les progressions harmoniques entrant dans la notion de composition, ainsi que l'utilisation du triton comme dissonance. La pensée harmonique avait existé chez des compositeurs particuliers à l'époque précédente, notamment Gesualdo, mais la Renaissance semble céder la place au baroque au point où elle devient le vocabulaire commun. Certains historiens de la musique soulignent l'introduction du septième accord sans préparation comme étant la rupture clé avec le passé. Cela a créé l'idée que les accords, plutôt que les notes, ont créé le sentiment de fermeture, qui est l'une des idées fondamentales de ce que l'on appellera beaucoup plus tard la tonalité.

L'Italie a constitué l'une des pierres angulaires de ce nouveau style, car la papauté, assiégée par la Réforme mais avec des caisses engraissées par les immenses revenus provenant de la conquête des Habsbourg, a cherché des moyens artistiques pour promouvoir la foi en l'Église catholique romaine. L'un des centres musicaux les plus importants était Venise, qui offrait à la fois un patronage laïque et sacré.

L'une des figures de transition importantes proviendrait de la volonté de relancer le catholicisme contre le défi doctrinal, artistique et social croissant du protestantisme: Giovanni Gabrieli. Son travail est largement considéré comme étant de style "Haute Renaissance". Cependant, ses innovations sont devenues à la base du nouveau style. Parmi ceux-ci figurent l'instrumentation (étiquetage des instruments spécifiquement pour des tâches spécifiques) et l'utilisation de la dynamique.

Les exigences de la religion étaient également de rendre le texte des œuvres sacrées plus clair et, par conséquent, il y avait une pression pour s'éloigner de la polyphonie densément stratifiée de la Renaissance, vers des lignes qui mettent les mots en avant et au centre, ou avaient une gamme d'imitation plus limitée. Cela créerait la demande d'un tissage plus complexe de la ligne vocale sur fond, ou homophonie.

Monteverdi est devenu le plus visible d'une génération de compositeurs qui ont estimé qu'il y avait un moyen laïque à cette approche "moderne" de l'harmonie et du texte, et en 1607 son opéra Orfeo serait le point de repère qui a démontré le plus grand nombre d'effets et de techniques associés avec cette nouvelle école, appelée seconda pratica, pour le distinguer du style plus ancien ou prima pratica. Monteverdi était un maître des deux, produisant des motets de style précis qui prolongeaient les formes de Marenzio et Giaces de Wert. Mais ce sont ses pièces de style nouveau qui devaient être les changements les plus visibles du baroque. Il s'agissait notamment de caractéristiques qui sont reconnaissables jusqu'à la fin de la période baroque, notamment l'utilisation de l'écriture idiomatique, l'épanouissement des virtuoses et ce que Stanley Sadie appelle "une utilisation approfondie" des nouvelles techniques.

Ce langage musical s'avérerait international, car Heinrich Schütz (1585-1672) un compositeur allemand qui étudia à Venise sous Gabrieli et plus tard Monteverdi, l'utilisa pour les besoins liturgiques de l'électeur de Saxe et servit de chef de choeur. à Dresde.

Musique du baroque moyen (1654-1707)

L'essor de la cour centralisée est l'une des caractéristiques économiques et politiques de ce que l'on nomme souvent l'ère de l'absolutisme, personnifiée par Louis XIV de France. Le style de palais, et le système de cour des mœurs et des arts qu'il a encouragé, sont devenus le modèle pour le reste de l'Europe. Les réalités de la montée du patronage de l'Église et de l'État ont créé la demande de musique publique organisée, car la disponibilité croissante d'instruments a créé la demande de musique de chambre. Cela comprenait la disponibilité des instruments à clavier.

Le baroque moyen est séparé du baroque ancien par l'avènement d'une pensée systématique au nouveau style, et une institutionnalisation progressive des formes et des normes, notamment dans l'opéra. Comme pour la littérature, l'imprimerie et le commerce ont créé un public international élargi pour les œuvres et une plus grande pollinisation croisée entre les centres nationaux d'activité musicale.

Le baroque moyen, dans la théorie musicale, est identifié par la concentration de plus en plus harmonique de la pratique musicale et la création de systèmes formels d'enseignement. La musique était un art, et il en est venu à être considéré comme un art qui devrait être enseigné de manière ordonnée. Cela aboutirait aux travaux ultérieurs de Fux sur la systématisation du contrepoint.

Jean-Baptiste Lully (1632-1687) est un exemple éminent de compositeur à la cour. Sa carrière a augmenté de façon spectaculaire quand il a collaboré avec Molière sur une série de comédies-ballets, c'est-à-dire des jeux avec la danse. Il a utilisé ce succès pour devenir le seul compositeur d'opéras pour le roi, utilisant non seulement des idées musicales innovantes telles que la tragédie lyrique, mais des brevets du roi qui empêchaient d'autres d'avoir des opéras mis en scène. L'instinct de Lully pour fournir le matériel que son monarque désirait a été souligné par presque tous les biographes, y compris son passage rapide à la musique d'église lorsque l'humeur à la cour devenait plus pieuse. Ses 13 tragédies lyriques terminées sont basées sur des livrets qui se concentrent sur les conflits entre la vie publique et privée du monarque.

Musicalement, il a exploré le contraste entre les sections majestueuses et entièrement orchestrées, et les simples récitatifs et airs. En grande partie, c'était son habileté à assembler et à pratiquer des musiciens dans un orchestre qui était essentielle à son succès et à son influence. Les observateurs ont noté la précision et l'intonation, ceci à une époque où il n'y avait pas de norme pour les instruments d'accord. Un élément essentiel était la concentration accrue sur les voix intérieures de l'harmonie et la relation avec le soliste. Il a également établi la norme dominée par les cordes pour les orchestres.

Arcangelo Corelli (1653-1713), est connu pour avoir influencé ses réalisations de l'autre côté de la technique musicale - en tant que violoniste qui a organisé la technique et la pédagogie du violon - et dans la musique purement instrumentale, en particulier son plaidoyer et le développement du concerto grosso. Alors que Lully était installé à la cour, Corelli a été l'un des premiers compositeurs à publier largement et à faire jouer sa musique dans toute l'Europe. Comme pour la stylisation et l'organisation de l'opéra par Lully, le Concerto Grosso est construit sur de forts contrastes; les sections alternent entre celles jouées par l'orchestre complet et celles jouées par un petit groupe. Les dynamiques étaient «en terrasse», c'est-à-dire avec une transition nette du fort au doux et vice-versa. Les sections rapides et les sections lentes ont été juxtaposées les unes contre les autres. Parmi ses élèves, Antonio Vivaldi, qui composera plus tard des centaines d'œuvres basées sur les principes des trios et des concertos de Corelli.

En Angleterre, le baroque moyen a produit un génie cométaire chez Henry Purcell (1659-1695) qui, malgré sa mort à 36 ans, a produit une profusion de musique et a été largement reconnu de son vivant. Il connaissait les innovations de Corelli et d'autres compositeurs de style italien; cependant, ses clients étaient différents et sa production musicale était prodigieuse. Plutôt que d'être un artisan minutieux, Purcell était un compositeur fluide qui était capable de passer d'hymnes simples et de musique utile comme les marches à de la musique vocale et de la musique pour la scène. Son catalogue compte plus de 800 œuvres. Il a également été l'un des premiers grands compositeurs de claviers, dont l'œuvre a encore de l'influence et de la présence.

Contrairement à ces compositeurs, Dieterich Buxtehude (1637-1707) n'était pas une créature de la cour, mais était plutôt un organiste et un entrepreneur entrepreneurial de musique. Plutôt que de publier, il comptait sur la performance pour ses revenus, et plutôt que sur le parrainage royal, il faisait la navette entre les paramètres vocaux de la musique sacrée et la musique d'orgue qu'il exécutait lui-même. Sa production n'est pas aussi fabuleuse ou diversifiée, précisément parce qu'il n'était pas constamment sollicité pour que la musique rencontre une occasion. Le contraste de Buxtehude était entre les sections libres, souvent improvisées, et les sections plus strictes élaborées de manière contrapuntique. Cette procédure aurait une grande influence sur les compositeurs ultérieurs tels que Bach, qui prendraient le contraste entre libre et strict à des limites plus grandes.

Musique du baroque tardif (1680-1750)

La ligne de démarcation entre le baroque moyen et tardif fait l'objet d'un débat. Les dates de début du style baroque "tardif" vont de 1680 à 1720. En grande partie parce qu'il n'y a pas eu de transition synchronisée; différents styles nationaux ont connu des changements à des rythmes différents et à des moments différents. L'Italie est généralement considérée comme le premier pays à s'orienter vers le style baroque tardif et des compositeurs tels que l'allemand Carl Heinrich Graun composé dans un style italien. La ligne de démarcation importante dans la plupart des histoires de la musique baroque est l'absorption complète de la tonalité en tant que principe structurant de la musique. Cela a été particulièrement évident dans le sillage des travaux théoriques de Rameau, qui a remplacé Lully en tant que compositeur d'opéra français important. Dans le même temps, grâce au travail de Fux, le style Renaissance de la polyphonie est devenu la base de l'étude du contrepoint. La combinaison du contrepoint modal avec la logique tonale des cadences a créé le sentiment qu'il y avait deux styles de composition - l'homophonique dominé par des considérations verticales et le polyphonique dominé par l'imitation et les considérations contrapuntiques.

Les formes qui avaient commencé à s'établir à l'époque précédente se sont épanouies et ont reçu une diversité de plus en plus large; concerto, suite, sonate, concerto grosso, oratorio, opéra et ballet ont tous vu une prolifération de styles et de structures nationales. La forme globale des pièces était généralement simple, les formes binaires répétées (AABB), les formes simples en trois parties (ABC) et les formes rondeau étant courantes. Ces schémas influenceraient à leur tour les compositeurs ultérieurs.

Antonio Vivaldi (1678-1741) est une figure qui a été, pendant une grande partie du XIXe siècle, oubliée dans la fabrication de musique de concert, pour être relancée au XXe siècle. Né à Venise en 1678, il a commencé comme prêtre ordonné de l'Église catholique, mais a cessé de dire la messe en 1703. Vers la même époque, il a été nommé maestro di violino dans un orphelinat de filles vénitiennes avec lequel il aurait une relation professionnelle jusqu'à la fin de sa vie. La réputation de Vivaldi ne vient pas d'un rendez-vous avec un orchestre ou d'un tribunal, mais de ses œuvres publiées, notamment des sonates en trio, des sonates pour violon et des concertos. Ils ont été publiés à Amsterdam et largement diffusés en Europe. C'est dans ces genres instrumentaux de la sonate baroque et du concerto baroque, qui évoluaient encore, que les contributions les plus importantes de Vivaldi ont été apportées. Il a opté pour certains modèles, comme un plan à trois mouvements rapide-lent-rapide pour les œuvres et l'utilisation de ritornello dans les mouvements rapides, et a exploré les possibilités de centaines d'œuvres - 550 concerts seulement. Il a également utilisé des titres programmatiques pour des œuvres, comme son célèbre The Four Seasons. La carrière de Vivaldi reflète une possibilité croissante pour un compositeur de pouvoir subvenir à ses besoins par ses publications, de faire la tournée pour promouvoir ses propres œuvres et d'avoir une existence indépendante.

Domenico Scarlatti (1685-1757) était l'un des principaux virtuoses du clavier de son époque, qui a pris la route d'être un musicien de la cour royale, d'abord au Portugal, puis, à partir de 1733 à Madrid, en Espagne, où il devait passer la reste de sa vie. Son père, Alessandro Scarlatti, était membre de l'École d'opéra napolitaine et a été reconnu comme l'un de ses membres les plus qualifiés. Domenico devait également écrire des opéras et de la musique d'église, mais c'est la publication de ses œuvres pour clavier, qui se sont répandues après sa mort, qui lui a valu une réputation durable. Beaucoup de ces œuvres ont été écrites pour son propre jeu, mais d'autres pour ses mécènes royaux. Comme pour son père, sa fortune était étroitement liée à sa capacité à obtenir et à conserver la faveur royale.

Pietro Filippo Scarlatti, le frère de Domenico Scarlatti et le fils d'Alessandro Scarlatti, était un compositeur, organiste et chef de chœur italien qui était un membre éminent de la fin du baroque italien. Sa capacité à contraster les harmonies et les sonorités de la musique vocale le rend très populaire auprès du public lyrique.

Mais peut-être le compositeur le plus célèbre associé aux opéras baroques et au patronage royal était George Frideric Handel (1685-1759), qui est né en Allemagne, a étudié pendant trois ans en Italie, mais irait à Londres en 1711, et l'utiliserait comme une base d'opérations pour une carrière longue et rentable qui comprenait des opéras produits indépendamment et des commissions pour la noblesse. Il était constamment à la recherche de formules commerciales à succès, dans l'opéra, puis dans les oratorios en anglais. Travailleur continu, Haendel empruntait aux autres et recyclait constamment son propre matériel. Il était également connu pour retravailler des pièces telles que le célèbre Messie, qui a été créé en 1741, pour les chanteurs et musiciens disponibles. Même si sa situation économique augmentait et diminuait avec ses productions, sa réputation, basée sur des œuvres pour clavier publiées, de la musique de cérémonie, des mises en scène constantes d'opéras et d'oratorios et de concerto grossi, a augmenté de façon exponentielle. Au moment de sa mort, il était considéré comme le principal compositeur en Europe et a été étudié par des musiciens de l'ère classique plus tard. Handel, en raison de ses ambitions très publiques, reposait une grande partie de sa production sur la ressource mélodique combinée à une riche tradition de performance d'improvisation et de contrepoint. La pratique de l'ornementation dans le style baroque était à un très haut niveau de développement sous sa direction. Il a voyagé dans toute l'Europe pour engager des chanteurs et apprendre la musique d'autres compositeurs, et a donc eu parmi la plus large connaissance des autres styles de tout compositeur.

J.S. Au fil du temps, Bach est devenu la figure dominante de la musique baroque, ce que Bela Bartok a décrit comme "une religion" l'entourant. Pendant le temps lui-même, il était mieux connu comme enseignant, administrateur et interprète que compositeur, étant moins célèbre que Haendel ou Telemann. Né à Eisenach en 1685 dans une famille de musiciens, il a reçu une éducation précoce approfondie et était considéré comme ayant une excellente voix de soprano. Il a occupé divers postes d'organiste, gagnant rapidement en renommée pour sa virtuosité et ses capacités. En 1723, il s'installa au poste auquel il devait être associé pour pratiquement le reste de sa vie: chantre et directeur musical de Leipzig. Son expérience variée à ce point lui a permis de devenir le chef de file de la musique, profane et sacrée, pour la ville, professeur de ses musiciens et figure de proue. Les innovations musicales de Bach ont plongé dans les profondeurs et les limites extérieures des formes baroques homophoniques et polyphoniques. Il était un catalogue virtuel de chaque appareil contrapunctal possible et de tous les moyens acceptables de créer des toiles d'harmonie avec le choral. En conséquence, ses œuvres sous forme de fugue couplées à des préludes et tocattas pour orgue et aux formes de concerto baroques sont devenues fondamentales à la fois dans la performance et la technique théorique. Presque tous les instruments et ensembles de l'époque - à l'exception des genres théâtraux - sont copieusement représentés dans sa production. Les enseignements de Bach fleuriront aux époques classique et romantique alors que les compositeurs redécouvriront les subtilités harmoniques et mélodiques de ses œuvres.

Georg Philipp Telemann (1681-1767) était le compositeur instrumental le plus célèbre de son temps, et massivement prolifique - même selon les normes d'une époque où les compositeurs devaient produire de grands volumes de musique. Ses deux postes les plus importants - directeur musical à Francfort en 1712 et en 1721 directeur musical du Johanneum à Hambourg, l'obligent tous deux à composer de la musique vocale et instrumentale pour des contextes profanes et sacrés. Il a composé deux cycles complets de cantates pour les offices du dimanche, ainsi que des oratorios sacrés. Telemann a également fondé un périodique qui a publié de nouvelles musiques, en grande partie par Telemann lui-même. Cette diffusion de la musique fait de lui un compositeur avec un public international, comme en témoigne son voyage réussi à Paris en 1731. Certaines de ses plus belles œuvres datent des années 1750 et même des années 1760, lorsque le style baroque était remplacé par des styles plus simples, mais étaient populaire à l'époque et après. Parmi ces dernières œuvres figurent «Der Tod Jesu» («La mort de Jésus») 1755, «Die Donner-Ode» («L'Ode du tonnerre») 1756, «Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu» («La résurrection et l'ascension de Jésus ") 1760 et" Der Tag des Gerichts "(" Le Jour du Jugement ") 1762.

Autres compositeurs influents

L'influence du baroque sur la musique ultérieure

Transition vers l'ère classique (1740-1780)

La phase entre la fin du baroque et le début de l'ère classique, avec son large mélange d'idées concurrentes et les tentatives d'unifier les différentes exigences de goût, d'économie et de "vision du monde", porte de nombreux noms. Il est parfois appelé "Galant", "Rococo" ou "pré-classique", ou à d'autres moments, "Early Classical". C'est une période où les compositeurs travaillant toujours dans le style baroque réussissent encore, si l'on considère parfois qu'ils appartiennent davantage au passé qu'au présent - Bach, Handel et Telemann composent tous bien au-delà du point où le style homophonique est clairement dans le ascendant. La culture musicale est prise à la croisée des chemins: les maîtres de l'ancien style ont la technique, mais le public a soif de nouveauté. C'est l'une des raisons pour lesquelles C.P.E. Bach était tenu en si haute estime: il comprenait très bien les formes plus anciennes et savait comment les présenter sous de nouveaux vêtements, avec une variété de formes améliorée; il est allé loin en révisant les formes plus anciennes du baroque.

La pratique de l'ère baroque était la norme par rapport à laquelle la nouvelle composition était mesurée, et il y avait une division entre les œuvres sacrées, qui se rapprochaient davantage du style baroque des œuvres laïques ou profanes, qui étaient dans la nouvelle style.

Surtout dans les pays catholiques d'Europe centrale, le style baroque a continué à être représenté dans la musique sacrée jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, de la même manière que le stile antico de la Renaissance a continué à vivre dans la musique sacrée du début du 17ème siècle. Les masses et les oratorios de Haydn et Mozart, bien que classiques dans leur orchestration et ornementation, ont de nombreuses caractéristiques baroques dans leur structure contrapuntique et harmonique sous-jacente. Le déclin du baroque a vu diverses tentatives pour mélanger les techniques anciennes et nouvelles, et de nombreux compositeurs qui ont continué à tailler vers les formes plus anciennes jusque dans les années 1780. De nombreuses villes d'Allemagne ont continué à maintenir des pratiques de performance du baroque dans les années 1790, y compris Leipzig, où J.S. Bach a travaillé à la fin de sa vie.

En Angleterre, la popularité durable de Haendel a assuré le succès d'Avison, Boyce et Arne - parmi d'autres imitateurs accomplis - jusque dans les années 1780, qui ont concouru aux côtés de Mozart et J.C.Bach. En Europe continentale, cependant, il était considéré comme une méthode d'écriture à l'ancienne, et était une condition requise pour l'obtention du diplôme du nombre croissant de conservatoires de musique, et autrement réservé uniquement à une utilisation dans des œuvres sacrées.

Influence de la composition et de la pratique baroques après 1760

Parce que la musique baroque était la base de la pédagogie, elle a conservé une influence stylistique même après avoir cessé d'être le style dominant de composition ou de fabrication musicale. Even as baroque practice, for example the thoroughbass, fell out of use, it continued to be part of musical notation. In the early 19th century, scores by Baroque masters were printed in complete edition, and this led to a renewed interest in the "strict style" of counterpoint, as it was then called. With Felix Mendelssohn's revival of Bach's choral music, the Baroque style became an influence through the 19th century as a paragon of academic and formal purity. Throughout the 19th century, the fugue in the style of Bach held enormous influence for composers as a standard to aspire to, and a form to include in serious instrumental works.

The twentieth century would name the Baroque as a period, and begin to study its music. Baroque form and practice would influence composers as diverse as Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky and Béla Bartók. The early 20th century would also see a revival of the middle Baroque composers such as Purcell and Corelli.

There are several instances of contemporary pieces being published as "rediscovered" Baroque masterworks. Some examples of this include a viola concerto written by Henri Casadesus but attributed to Handel, as well as several pieces attributed by Fritz Kreisler to lesser-known figures

Voir la vidéo: Baroque Music Collection - Vivaldi, Bach, Corelli, Telemann. . (Février 2020).

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